• Oblivion
    Choreographie: Silvia Batet, Spanien
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    Freiberufler
    Dauer: 12 Minuten
    Musik: Sergiu Puig “Oblivion”
    Tänzer: Marta Garcia, Vera Palomino, Raquel Romero, Pere Seda, Anna Serra

  • Oblivion heißt übersetzt “Vergessenwerden”, kann aber auch mit dem Begriff “Fegefeuer” in Verbindung gebracht werden. Angesiedelt in einer Traumwelt zwischen Fantasie und Surrealismus, könnte Oblivion ein Bild für das Leben nach dem Tod sein, wie es Dante in der “Göttlichen Komödie” beschreibt: ein Raum, der durch die Idee des Kreises, durch das ewige Umherwandern der Körper im Raum, bedingt ist; es könnte aber auch ein mentaler Raum der Sehnsucht sein, in dem wir die Erinnerung an vergangene Zeiten besuchen und wieder aufleben lassen. “Vacare” bedeutet im Lateinischen “wandern”, “schweben”; es suggeriert aber auch “Leere”. Schließlich könnten Nachleben und Vergessen leicht dasselbe sein.

    Silvia Batet hat einen professionellen Abschluss in klassischem Tanz in Valencia und den Bachelor in Choreographie am Institut del Teatre, in Barcelona, gemacht. Sie ist die Gewinnerin des Premi de Dansa de l’Institut del Teatre 2020 mit ihrer neuesten Kreation Oblivion. Ihre anderen Arbeiten wurden in verschiedenen nationalen Wettbewerben und Festivals gezeigt, darunter GraciasxFavor (Santander), L’Estació Escènika (Barcelona), Russafa Escènica (Valencia), Ellas Crean (Madrid) und drei Ausgaben des Madrider Choreografiewettbewerbs (2017, 2018 und 2020), wo sie das renommierte danceWEB-Stipendium für den ImpulsTanz in Wien (2018) erhielt. www.silviabatet.com

Proximity
Choreographie: Joshua Beamish, Kanada
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Freiberufler
Dauer: 7 Minuten
Musik: Hans Zimmer “S.T.A.Y.”
Tänzer: Rena Narumi

Das Herz erzeugt das stärkste elektromagnetische Feld, das der Körper produziert. Während dieses Signal bei Körperkontakt am stärksten ist, ist es auch aus nächster Nähe noch wahrnehmbar.

Joshua Beamish gründete die MOVETHECOMPANY 2005 in Vancouver. Er choreographierte für das Royal Ballet, das National Ballet of Canada, die Choreographic Academy des Dutch National Ballet Junior Company, die Vancouver Opera, die Cape Town Opera, die stellvertretende künstlerische Leiterin des New York City Ballet Wendy Whelan für Restless Creature und die Principal Ashley Bouder für The Ashley Bouder Project, dem New York Choreographic Institute/School of American Ballet, der Compania Nacional de Danza de Mexico, Fall For Dance North, dem Toronto Dance Theatre, dem Ballet Edmonton, der Alberta Ballet School, den Universitäten von Alberta und Missouri, dem Santa Barbara Dance Theater und dem Ballet Kelowna, sowie anderen.

Matiik
Choreographie: Catarina Casqueiro, Portugal
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freiberuflich
Dauer: 10.44 Minuten
Musik: Scaner “Imemmory”
Tänzer: Catarina Casqueiro, Tiago Coelho

Auf der gleichen Bühne stellen zwei Körper die aktuelle Realität von Beziehungen nach: die Distanz in der Gegenwart, die flüchtige Gegenwart, die Lust des Fleisches, das angekündigte Ende, die Distanz in der Gegenwart… Ein paralleler und alternativer Weg oder die ultimative Erfüllung der intimsten menschlichen Sehnsüchte? Ein work in progress in einer Ära der sofortigen Entscheidungen.

Catarina schloss 2011 die Tanzschule des Nationalen Konservatoriums ab, was eine Reise nach China einschloss, um am Beijing Dance Festival teilzunehmen. Nach Abschluss ihres Studiums wurde sie in ein 6-monatiges Programm bei der Kibbutz Contemporary Dance Company (KCDC) aufgenommen, wo sie weitere 6 Monate blieb, unterstützt durch ein Gulbenkian-Stipendium.

Danach wurde sie Mitglied der Vórtice Dance Company in Portugal und setzte ihre Studien nach dem Abschluss an verschiedenen Orten fort; P.A.R.T.S in Belgien, Tanzklassen mit Yin Yue, Max Stone und Brice Mousset in New York und ein eineinhalbmonatiges Programm mit Dana Foglia in Los Angeles.

Very tiny little drop of wax
Choreographie: Mei Chen / Yannis Brissot, China / Frankreich 
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engagiert: Theater Pforzheim
Dauer: 12 Minuten
Musik: Dario Wilmington “Very tiny little drop of wax”; Edith Piaf “Non, je ne regrette rien”
Tänzer: Yannis Brissot, Mei Chen
Video und Schnitt: Mirko Ingrao
Lichtdesign: Andreas Schmidt

A path leading to one’s glory
An effulgent piece of skin soaked in gold floats further and further
Reflects a stinky smelly pond of water
Rises and expands
Till it bites its own tail
Anguished soul had appeared
Once
and stays forever
Fish had heard it
Birds had heard it
Slaughtered pigs had heard it
Travels from you to me
Eventually impaled on a pricket
Wax wells up in my eyes
A very little tiny drop
Choked the thunder
from illuminating the swinging boat on the sea

Applause
Applause
Applause
I heard that silence is the voiceless scream

Eine Performance, inspiriert von der Lebensgeschichte der Edith Piaf. Die Schwerpunkte wechseln zwischen der Darstellung ihrer erfolgreichen Karriere und der Interpretation ihres Lebens abseits der Bühne.

Mei Chen, geboren in China, erwarb ihren BFA in Tanz an der Hong Kong Academy for Performing Arts mit Schwerpunkt auf zeitgenössischem Tanz. Seitdem hat sie als Performerin für Jukstapoz und das Kaunas Dance Theatre AURA gearbeitet – für letzteres auch als Probenleiterin – und mit Choreografen wie Sang Jija, Xing Liang, Laura Aris und Gill Kerer, um nur einige zu nennen. Seit 2019 ist sie Mitglied des Balletts am Theater Pforzheim.

Delicious Overdose
Choreographie: Cristian Cucco & Alice Beatrice Carrino, Italien
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engagiert: Dancehouse Company
Dauer: 11 Minuten
Musik: Kassel Jaeger, Stephan Mathieu, Akira Rableas ” Zauberberg”
Tänzer: Alice Beatrice Carrino, Cristian Cucco

Delicious Overdose ist ein Traum, eine visionäre Metapher und eine traumhafte innere Reise. Alice unternimmt eine Reise – gefolgt und begleitet von Cristian – unter dem endlosen Regen von Bonbonpapier. Die Süße scheint sehr süß zu sein, bis sie zu viel wird, giftig wird, sie überwältigt und ihr die Lebensenergie nimmt. Als Opfer ihrer eigenen Versuchung gerät sie durch eine glykämische Überdosis in einen flüssigen geistigen und körperlichen Zustand. Die einzige Möglichkeit, diesem Zustand zu entkommen, besteht darin, in die Realität zurückzukehren und sie wieder mit sich selbst zu verbinden.

Geboren 1988, schloss Cristian 2010 sein Studium an der “Accademia Pier Lombardo Danza” unter der Leitung von Susanna Beltrami (heute Dancehaus – Accademia Susanna Beltrami) mit Auszeichnung ab. Im Jahr 2009 begann er seine künstlerische Laufbahn bei der “Giovane Compagnia Pier Lombardo Danza”. In den letzten 5 Jahren hat er mit Emanuel Gat , Balletto Teatro di Torino, Diego Tortelli, Compagnia Abbondanza Bertoni und Marigia Maggipinto gearbeitet. Als Choreograf experimentierte er mit seiner Arbeit in Zusammenarbeit mit dem Conservatorio della Svizzera Italiana, dem IED und mit dem Pianisten Roberto Binetti. Im Jahr 2018 entstand das Projekt “|duonux|” in Zusammenarbeit mit seiner Kollegin Alice Beatrice Carrino.

ALICE CARRINO: Geboren ’88, nach dem Abschluss des klassischen Gymnasiums schloss sie 2010 die “Accademia Pier Lombardo danza” mit Auszeichnung ab und trat in den DTC Meisterkurs ein. Sie arbeitet mit der Kompanie Susanna Beltrami zusammen, bei der sie seit 2011 als Solotänzerin tätig ist. Im Jahr 2015 schloss sie ihr Studium der Kulturwissenschaften mit einer Arbeit über die Geschichte des zeitgenössischen Theaters ab.

SO`FAR
Choreographie: Sidonie Fosse / Johann Clapson, Frankreich
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Freiberufler
Dauer: 12 Minuten
Musik: Cristobal Tapia De Veer ” Leave Osea”; Ben Frost “Carbon Vessel Motherfucker”
Tänzer: Johann Clapson, Sidonie Fosse

Synopsis: Ein Mann liebt es zu träumen; er ist an sein Sofa gefesselt und versucht mit allen Mitteln, seiner Isolation und Langeweile zu entkommen. Seine Phantasie reißt ihn aus seiner Trägheit und lässt ihn eine Beziehung zu all dem aufbauen, was er im realen Leben nicht erleben kann, all seine Erwartungen, seine Wünsche. Vielleicht gelingt es ihm, die Frau seines Lebens zu erschaffen…

Nach ihrer Ausbildung am CNR Rouen und am Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse in Paris, in der Abteilung für zeitgenössische Musik, trat Sidonie 2005 in die Ecole-Atelier Rudra Béjart ein. Im Jahr 2007 trat sie dann dem Béjart Ballet Lausanne bei. 2010 gründete sie ihre eigene Tanzkompanie in Belgien (Opinion Public) und arbeitete parallel dazu mit dem Opéra Ballet du Rhin, dem L.A. Dance Project, dem Gotra Ballet und dem Konzert Theater Bern.

A CIEGAS
Choreographie: Sabrina Gargano, Italien
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Freiberufler
Dauer: 11 Minuten
Musik: Duke Ellington “A drop me out in Harlem”; Chango Spasiuk “Tren Expreso”
Tänzer: Sabrina Gargano, Rafa Jagat

Jeder hat es schon einmal erlebt: Jemand überrascht sie von hinten, hält Ihnen die Augen zu und fordert sie auf, zu erraten, wer er/sie ist. Ein einfaches Spiel, das Kinder oder uns nahestehende Personen spielen, um uns zum Raten zu bringen; aber was, wenn sich dies plötzlich in etwas anderes verwandelt?

Es gibt Zeiten in unserem Leben, in denen unvorhergesehene Ereignisse eintreten, die uns zwingen, Entscheidungen zu treffen, die Veränderungen herbeiführen und uns anschließend diese Veränderung erleben lassen. Manchmal sind diese Veränderungen sichtbar und manchmal nicht. Dieses Duett konzentriert sich auf das, was wir nicht sehen und erkennen können und wie das Unbekannte unseren Gemütszustand beeinflussen kann, was möglicherweise dazu führt, dass wir uns davor fürchten, uns einfach umzudrehen und uns ihm zu stellen.

Nachdem sie 2014 den Professional Development Jasmin Vardimon Kurs JV2 absolviert hatte, trat Sabrina in Großbritannien und im Ausland auf. Sie arbeitete mit mehreren Kompanien in Großbritannien, Portugal und der Schweiz zusammen. Sie wurde beauftragt, die Jugendkompanie von The Point, Pera University, Lincoln University zu choreografieren. Sabrina ist auch ein Education Facilitator für Jasmin Vardimon und die Programmleiterin für JV2 2019-20 und 2020-21.

ACAMENTE E FILIDE – Il mandorlo in Fiore
Choreographie: Giovanni Insaudo, Italien
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Freiberufler
Dauer: 7,50 Minuten
Musik: Ezio Bosso ” Following a bird “
Tänzer: Sandra Salietti Aguilera, Giovanni Insaudo

Dies ist ein Stück, das von der griechisch-sizilianischen Mythologie inspiriert ist. Es basiert auf einer tiefen und schmerzhaften Liebe. Das Stück wurde dramaturgisch gestaltet, indem die im Mythos dargestellten Ereignisse invertiert wurden, fast wie eine Rückspulung der Geschichte, und Bilder gesammelt wurden, die eng mit der Blüte des Mandelbaums verbunden sind. Der Grund für die Wahl dieses Mythos ist der Hintergrund des Choreographen, der von der antiken Kultur seiner Heimatinsel Sizilien fasziniert ist.

Giovanni Insaudo, ist Choreograph, Tänzer, Lehrer und Gründer des Tanzkollektivs “I VESPRI giovanni insaudo” . Seine akademischen Studien absolvierte er in Spanien, an der Akademie Victor Ullate und dem C.A.D. (Centro Andaluz de Danza). Er hat als Solotänzer für Tanzkompanien wie Dantzaz Konpainia (ehemals Ballet Biarritz junior), Balletto dell’Esperia, Gaertnerplatz Theater München, Tanz Luzerner Theater gearbeitet. Für jede dieser Kompanien hat er durch Tanzchoreographien, Performances und Projekte mit behinderten Künstlern künstlerische Arbeiten geschaffen. Er choreographierte an der D.A.F (dance art faculty) in Rom und kreiert derzeit neue Stücke für das Roberto Scafati’s Theater Trier, das Konzert und Theater St. Gallen, das Burgos Contemporary Ballet, D.A.F., das Agora Dance Project und Hung Dance Taiwan. Mit dem Stück ACAMANTE & FILLIDE gewann Giovanni den 2. Preis beim Burgos-New York Choreographic Competition und den 3. Preis beim Copenhagen International Choreographic Competition, sowie Produktionspreise und Einladungen zu verschiedenen internationalen Festivals.

Mit seiner letzten Arbeit CRISALIDE hat er den “Publikumspreis” beim 25. MASDANZA” gewonnen.

Mad Scene
Choreographie: Drew Jacoby, USA
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Freiberufler
Dauer: 12.40 Minuten
Musik: Gaetano Donizetti “Scena del Pazzia – Lucia di Lammermoor”
Tänzer: Tieman Bormans, Daniel Domenech, Claudia Gil Cabus, Nini de Vet, Nancy Osbaldeston, Nicha Rodboon

Ein Spiel mit der “Mad Scene” in einer Oper, oft geschaffen, um Starsängern eine Chance zu geben, ihr Können zu zeigen. Die Gesangspartien sind oft aufregend und sehr anspruchsvoll und erfordern immenses Können. Die Choreographin hat Parallelen zur Absurdität, Ironie und dem Wahnsinn der Musik gezogen, um 5 Tänzer auf athletische, komplizierte und ausgefallene Weise zu präsentieren und dabei Integrität und Können darzustellen. Drew wollte ein feierliches Stück schaffen, das leicht, abstrakt und lustig ist, besonders inmitten der normalerweise dunklen und kalten zeitgenössischen Tanzlandschaft.

Drew Jacoby wurde 1984 geboren. Im Alter von 14 Jahren begann Drew, am San Francisco Ballet und Pacific Northwest Ballet in Seattle zu studieren. Ihre professionelle Karriere begann im Alter von 17 Jahren mit dem Alonzo King’s Lines Ballet im Jahr 2002. Im Jahr 2005 wurde sie eingeladen, an der Japan-Tournee von Sylvie Guillem teilzunehmen, wo sie neben Tänzern des Royal Ballet und des Pariser Opernballetts auftrat. Drew wurde 2005 mit einem Tanzstipendium und 2008 mit einem Special Projects Grant der Princess Grace Foundation ausgezeichnet. Sie gründete ihre eigene Kompanie und tourte von 2007-2012 zu Veranstaltungsorten wie Jacob’s Pillow und dem Holland Dance Festival. 2012 wurde Drew zum Nederlands Dans Theater eingeladen, wo sie drei Jahre lang blieb, bevor sie 2015 als Solotänzerin zum Royal Ballet of Flanders  wechselte. Im Jahr 2016 arbeitete sie an einem Tanzfilm mit dem Choreographen Sidi Larbi Cherkaoui.

Concerto For Mandolin and String in C Major by Vivaldi
Choreographie: Gil Kerer, Israel
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Freiberufler
Dauer: 12 Minuten
Musik: Antonio Vivaldi ” Concerto For Mandolin and String in C Major by Vivaldi” gespielt von Avi Avital & The Baroque Orchestra of Venice
Tänzer: Gil Kerer, Tom Weinberger

Wir sammeln unsere eigene Zärtlichkeit, stehen fest und stark und tanzen zu den Klängen der Mandoline und der Streicher und kehren mit Demut und Freude zu einer ursprünglichen Erfahrung des Tanzes zurück. Die Choreografie ist eine Art erwachsener, jugendlicher, kindlicher Tanz: Musik und Tanz als Fest, als Raum der Freiheit, der Einfachheit, der Virtuosität, der Intimität, des Spaßes und der Freundschaft.

1987 geboren, beginnt Gil seinen professionellen Weg im neu gegründeten KCDC und bei der Vertigo Dance Company. 2011 kreiert er sein erstes Solo “dive” mit Anat Cederbaum, mit dem er den ersten Preis für aufstrebende Choreographen beim Mash Festival in Jerusalem gewinnt.

Ab 2015 arbeitete er als unabhängiger Choreograph, der mit seinen Stücken in Israel und im Ausland auftrat und auf Tournee ging. 2017 trat er der Israeli Choreographers Association bei und ist seit 2018 Resident Choreographer beim Menashe Regional Council, wo er Stücke für Kompanien, Tanzprogramme und Festivals kreiert. Er erhielt Auszeichnungen für seine Choreografien bei Festivals und Wettbewerben in Israel(Mash), Schweden(IL Dance), Deutschland(Hannover) und Dänemark(CICC).

“Should life be busy“
Choreographie: Li Chen / Shi Feiyang, China
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Student an der Beijing Dance Academy
Dauer: 10.23 Minuten
Musik: Sijiang Tune – Sorrowful Orchestra „Swallow“
Tänzer: Li Chen, Feiyang Shi

Die beiden Brüder wollen in der Stadt Erfolg haben und lachen über sich selbst, indem sie dabei unermüdlich arbeiten.

2010-2013: Hubei Province Art School
2018 bis heute: Studium am Modern Dance Department of Beijing Dance Academy
2019 Teilnahme an der Aufführung von “ramifications-tributary” von Johannes Wieland (Johannes Wieland)
2020 gewann er den Preis für die beste Regie für “Urban Dance” beim dritten Festival von Zhongguancu

I want to hang this in your living room
Choreographie: Maja Mirek, Polen
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Freiberufler
Dauer: 12 Minuten
Musik: DakhaBrakha “Vesna”
Tänzer: Maja Mirek, Arnau Moreno i Grau

“I want to hang this in your living room” wurde durch das Bedürfnis inspiriert, eine Performance über die Unfähigkeit, in körperlicher Nähe zu arbeiten, und die Einschränkungen, denen wir als Performer während unserer künstlerischen Residency in Linz ausgesetzt waren, zu kreieren.

Das Duo präsentiert einen Kompromiss zwischen der Aufrechterhaltung einer sozialen Distanz und der Herstellung einer physischen Beziehung zwischen den Performern. Es ist die Absicht des Performance-Titels ‘I want to hang this in your living room’, semantisch sehr präzise zu sein; gleichzeitig aber auch bedeutungsvoll frei für Interpretationen. Einerseits kann man an Renovierung denken, an das Aufhängen eines Gemäldes, das den Betrachter auf eine Projektion an der Wand vorbereitet, andererseits will ich vielleicht meine Unterwäsche an die Lampe hängen, was auf einen sexuellen Kontext hinweist, oder vielleicht will ich bei dir einziehen und meinen Mantel dort aufhängen, oder vielleicht habe ich genug und will mich selbst aufhängen?

Nach einem BA in Journalismus und einem MA in interaktiven Medien studierte Maja zeitgenössischen Tanz an der ABPU in Linz (AUT) und am Royal Conservatoire Antwerpen (BE). Aktuell arbeitet sie mit der Compagnia Bellanda (IT), Mck Fife Company (BE) und dem SIDEWARDS Kollektiv (BE).

Dodi
Choreographie: Sofia Nappi, Italien
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Freiberufler
Dauer: 7 Minuten
Musik: Anouar Brahmen ” The Astounding Eyes of Rita“
Tänzer: Paolo Piancastelli, Adriano Popolo Rubbio

Sofia absolvierte ihr Studium am Alvin Ailey American Dance Theater (New York). Danach intensivierte sie ihre Studien bei Hofesh Shechter und der Batsheva Dance Company, wo sie derzeit als Botschafterin der Gaga-Technik trainiert.

 Sofia ist die künstlerische Leiterin und Mitbegründerin ihres Projekts KOMOCO zusammen mit der Komponistin und Violinistin Alice Nappi. Ihre allererste Kreation gewann den 3. Preis beim niederländischen Choreographiewettbewerb. KOMOCO erhielt mehrere künstlerische Residenzen, u.a. im The Eco Art Village (Israel), dem Haus der Vertigo Dance Company, und im Choreographischen Centrum Heidelberg (Deutschland). Sofia gewann den internationalen Preis für junge Choreographen auf der Biennale in Venedig 2019.  Sofia ist auch die Gewinnerin des Showcase 2020 mit einem neuen choreografischen Auftrag für die Compagnia EgriBianco Danza, für die DART Dance Company in Budapest und für die Jerusalem Academy of Music and Dance in Israel. Anschließend wurde sie eingeladen, mit ihrem choreografischen Projekt eine Weltpremiere für das 14. Internationale Festival für zeitgenössischen Tanz der Biennale Venedig 2020 zu kreieren. Mit ihrer letzten Kreation Wabi-Sabi gewann Sofia den KommTanz 2021 für ihre choreografische Arbeit bei der Abbondanza Bertoni Company.

“Dodi”, aus dem Hebräischen “Geschenk; mein Geliebter”, entspringt der Auseinandersetzung mit der Überwindung des ständigen Zustands von Trauer und Unzufriedenheit, der den Großteil unserer menschlichen Existenz prägt. Die ständige Sehnsucht nach dem “Mehr” in unserem Leben kann oft dazu führen, dass wir uns einsam und ängstlich fühlen. Durch die Begegnung mit Spiegelbildern gehen zwei Wesen durch eine Reise der Selbsterkundung und Akzeptanz, indem sie die Ehrlichkeit des Ausdrucks teilen, was eine tiefgreifende Transformation und die Vermeidung von kulturellen Stereotypen erfordert. Das Duett handelt von Intimität, Vertrauen, Sinnlichkeit, menschlicher Verbindung, Zartheit, Leichtigkeit und Leidenschaft. Dodi bietet einen Sinn für die Tiefe unserer Existenz, um die subtile Poesie innerhalb menschlicher Verbindungen zu entdecken, um tiefes Zuhören und Möglichkeiten in dieser Realität zu finden: Trauer ist tatsächlich eines der wertvollsten Geschenke, die wir alle teilen, und das Bewusstsein dafür hilft uns, tiefer zu gehen, Akzeptanz und letztendlich Freiheit zu finden.

MOMENTO
Choreographie: Maria Chiara de`Nobili / Alexander Miller , Italien / Deutschland
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Freiberufler
Dauer: 10.30 Minuten
Musik: Freya Arde “Momento”
Tänzer: Alexander Miller, Maria Chiara de`Nobili

“Momento” ist eine kurze Tanzkreation, die aus der Zusammenarbeit von Maria Chiara de’ Nobili und Alexander Miller entstanden ist. Das Stück, choreographiert für den 35. Internationalen Choreografischen Wettbewerb Hannover, konzentriert sich auf eine nicht-chronologische Reihe von Momenten, die das Leben eines Paares bestimmen. Erinnerungen folgen chaotisch aufeinander. Alle Konflikte werden gelöst, indem man sich bewusst macht, was wirklich wichtig ist. Nach einer langen Reise der Wiederentdeckung einer lebenslangen gemeinsamen Erfahrung finden sich die Charaktere irgendwo zwischen der Unschuld der Vergangenheit und der Ungewissheit der Zukunft wieder.

Maria Chiara de’ Nobili wurde 1995 in Neapel geboren. Sie erhielt ihren Bachelor in zeitgenössischem Tanz am Dancehaus (Mailand). Unmittelbar danach zog sie nach Israel, wo sie zehn Monate lang am Dance Journey Programm der Kibbutz Contemporary Dance Company teilnahm und gleichzeitig ihre choreografische Karriere startete. Im Sommer 2018 wurde sie eingeladen, als Choreografin ein 20-minütiges Stück für das College Choreographers Programm auf der Biennale di Venezia zu entwickeln. Im selben Jahr begann sie ein Studium zum Master of Arts in Choreografie an der Palucca Hochschule für Tanz Dresden. 

Im Juni 2019 wurde sie mit dem abendfüllenden Werk “Wrap” von Marie Chouinard beauftragt, die sie als Gastchoreografin zur Biennale di Venezia einlud. Im November 2019 präsentierte sie das Solo “The Answer’s in the Eye” für das Palucca Tanz Studio in Dresden. Während ihres Engagements als Tänzerin am Staatsschauspiel Dresden kreierte Maria Chiara 2020 ihre Abschlussarbeit “Master Choreography”, die im Japanischen Palais (Dresden) mit Unterstützung von TANZPAKT präsentiert wurde. Im Februar 2021 kreierte sie die Choreographie für das Theaterstück “doch an uns wird sich manche:r später noch erinnern” unter der Regie von Jule Bökamp.

Alexander Miller ist  in Kasachstan geboren. Mit zwölf Jahren began er mit dem Breakdance. Er tanzte für  die Nobulus Company, das Staatsschauspiel Dresden und die Kompanie Go Plastic.  2013 war er Mitbegründer von THE SAXONZ, einem Kollektiv von Tänzern, das sich auf internationale Breakdance Wettbewerbe konzentriert. 2014 und 2015 gewannen The Saxonz das “Battle of the Year Germany”. 2015 war Miller Teil des kreativen Teams, das “Floor on Fire – Battle of Styles” entwickelte, ein einzigartiges Tanzformat, das klassische, soziale und urbane Tänze kombiniert und in regelmäßigen Abständen in HELLERAU stattfindet. 2017 schloß er seinen Master of Arts in Visueller Kommunikation an der Bauhaus-Universität Weimar ab. Seit 2018 studiert er an der  Palucca Hochschule für Tanz Dresden. Mit dem Solo LAYOVER, das 2020 im Festspielhaus Hellerau uraufgeführt wurde, schloss Miller sein Studium mit dem Master of Arts in Choreografie ab.

Introtention Coda
Choreographie: Anat Oz, Israel
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Freiberufler
Dauer: 9 Minuten
Musik: Ludwig Minkus “Don Quijote – pas de deux”
Tänzer: Nathaly Kremer, Anat Oz

Anat Oz lebt in Aviv. Anat Oz hat für verschiedene Kompanien wie die “Kibbutz Contemporary Dance Company” und das “Israeli Classical Ballet” gearbeitet. Als freischaffende Tänzerin trat sie auf und wirkte in Kreationen von Roy Assaf, Idan Sharabi und anderen mit. Im Jahr 2019 begann sie, sich ihren eigenen Kreationen zu widmen.Ihre Duett-Kreation ‘Introtention Coda’ gewann den ersten Preis beim Be’er-Sheva Fringe Dance Festival im Dezember 2019. Ihre Solokreation ‘THIRD’ gewann den zweiten Preis beim internationalen solo-tanz-theater-stuttgart, Juni 2020.

Die Coda für das introspektive Wesen einer professionellen Tänzerin, wirft ein Licht auf die Komplikationen, denen wir bei der Arbeit in diesem Bereich begegnen. Zerbrechliche Seelen, die sich öffnen, wenn der Vorhang aufgeht. Beauty defined by ideals of dimensions.
Virtuosity is the candy of what we sell. Will you clap?

Meaningless
Choreografie: Diego de la Rosa / Safet Mistele, Spanien/Deutschland
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engagiert: beide am Staatstheater Kassel
Dauer: 7.30 Minuten
Musik: Camila Jordan “The thrill is gone”; Erika Truffaz “That appeal has been out into suspense by reason”
Tänzer: Safet Mistele, Diego de la Rosa

Gehören wir eigentlich irgendwo hin? Wir versuchen, einen Sinn in unseren Handlungen zu finden, Antworten auf unsere Fragen, aber wir sind nicht sicher, ob jemand da ist, der uns hört. Wir versuchen, eine Botschaft zu übermitteln, von der wir glauben, dass sie es wert ist, weitergegeben zu werden.

Möglicherweise scheitern wir bei diesem Versuch, aber genau darum geht es im Leben. Es hält uns am Leben und gibt uns den Glauben, einen Weg zu finden. Denn Scheitern ist nicht tödlich. Es ist der Mut zum Weitermachen, der zählt.

Diego de la Rosa entdeckte Bboying im Jahr 2004. Im Jahr 2013 gründete er zusammen mit den anderen aktuellen Mitgliedern die Frantics Dance Company. Innerhalb der Kompanie wirkt er als Tänzer, Choreograph und künstlerischer Leiter mit. 2014 machte er außerdem seinen Abschluss an einer Contemporary School in Berlin. Im Jahr 2018 arbeitete Diego als Gasttänzer am Theater Bonn, in der Spielzeit 2018/2019 war er fester Tänzer am Theater Bremen und in der Spielzeit 2020/2021 ist er Gasttänzer am Theater Kassel.

Safet Mistele erhielt 2014 einen ersten Abschluss an der Folkwang Hochschule der Künste (Abteilung Tanz) in Essen. Im Sommer 2016 erhält er seinen Master (Tanzkomposition / Interpretation). Von 2007 bis 2012 nahm er am Tanzprojekt Kontakthof mit Teenagern ab 14 von Pina Bausch teil und tourte damit durch verschiedene europäische Städte. Seit 2010 unterrichtet er Kinder und Erwachsene in den verschiedensten Tanzstilen (vom klassischen Ballett bis zum Hip Hop) und gastierte bei Romeo und Julia am Aalto Theater Essen, bei Surrogate Cities im Rahmen der Ruhrtriennale 2014) und am Tanztheater Wuppertal Pina Bausch in Wind von West und Le Sacre du Printemps.

Seit Beginn der Spielzeit 2016-17 ist er festes Ensemblemitglied am Staatstheater Kassel und erhielt im Juni 2018 den Nachwuchsförderpreis der Fördergesellschaft Staatstheater Kassel e.V.

Zum Licht
Choreographie: Javier Ubell, USA
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engagiert: Staatstheater Hannover
Dauer: 6,18 Minuten
Musik: Album: New History Warfare-Judges, Vol 2 “Clothed in the skin of the Dead”
Tänzer: Nikita Zdravkovic

Es gibt kein schlechtes Wetter, nur falsch gewählte Kleidung. Wie viel Kleidung ist genug, um uns in den unerträglichsten Winternächten wirklich warm zu halten? Dieses Stück erkundet die Reise eines einzelnen Reisenden auf seinem Weg zum Licht. Auf jeder Reise müssen wir die Dinge verlieren, die uns in der Vergangenheit festhalten, auch die Kleidung auf unserem Rücken. 

Javier Ubell ist in New York City geboren und aufgewachsen, wo er seine Ausbildung an der School of American Ballet absolvierte. Nach neun Jahren in der S.A.B. wurde er 2007 am Oregon Ballet Theater aufgenommen und 2011 zum Solisten befördert, wo er sechs Spielzeiten lang tanzte. 2013 zog Javier nach München um am Staatstheater am Gärtnerplatz zu tanzen. Nach sechs Spielzeiten in München wechselte Javier 2019 nach Hannover an die Staatsoper Hannover.

Overcast
Choreographie: Kirsten Wicklund, Kanada
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Engagiert: Ballet BC
Dauer: 10 Minuten
Musik: Ben Frost „Theory of Machines“; Field Works & Loscil „Imprints“
Tänzer: Parker Finley, Jordan Lang
Lighting Design: Kirsten Wicklund & James Proudfoot
Wardrobe Design: Kirsten Wicklund & Kate Burrows
Videographer & Editor: Peter Smida

Overcast ist eine Arbeit, die die Verbindung zwischen zeitgenössischen Bewegungsqualitäten und der quintessenziellen klassischen Form zwischen zwei Tänzern erforscht. In der Arbeit erforsche ich; Dunkelheit und Beleuchtung, Oberflächen und Struktur, Schatten und Phantom, Menschlichkeit & Schwachstellen.

Kirsten ist in ihrer 7. Saison beim Ballet BC. Sie tanzte mit der Washington Ballet Company, dem Alonzo King’s Choreographic Workshop und choreographierte ihre eigenen Stücke für Dances for a Small Stage, die Dance Deck Series, Arts Umbrella, Goh Ballet, Lamon Dance, Dancing on the Edge Festival, The UBC Choir, Move: The Company, Ballet BC’s Choreographic Lab und Ballet Kelowna.

Neben ihrer Arbeit als Tanzkünstlerin bei Ballet BC arbeitet Kirsten selbständig, unterrichtet Yoga- und Bewegungsworkshops und ist als Jurorin in ganz Kanada und den USA tätig.

Semble
Choreographie: Jacob Williams, USA
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engagiert: Ballett BC, Kanada
Dauer: 7 Minuten
Musik: Ben Waters “ABZ”
TänzerInnen: Kiana Jung, Stefanie Noll, Sara Pippin, Evan Rappaport, Rae Srivastava

Das Stück beginnt damit, dass die Tänzer in ein scharfkantiges Licht eingeführt werden. Sie erforschen ihre eigenen Körper im Verhältnis zu sich selbst und zueinander, während verschiedene Gliedmaßen und Köpfe ins Licht treten. Nach einem plötzlichen Rückzug hat sich etwas aus dem Licht herausbewegt. Die Körper bewegen sich zusammen, während dieser Organismus auf alles, was ihm begegnet, reagiert. Der Organismus beginnt sich auszudehnen und zu trennen. Die Bewegungen beschleunigen sich und werden dynamischer. Die Tänzer werden dann weggezogen, so dass nur noch ein Tänzer auf der Bühne steht. Die Kamera schwenkt zwischen den einzelnen Tänzern hin und her, während ihre Körper in einer Solophrase zu einem verschmelzen.

Viele Jahre lang trat Jacob im Musiktheater auf, bis er im Alter von 16 Jahren seine Liebe zum Tanz entdeckte. Nach der High School bildete sich Jacob am Alonzo King Lines Ballet weiter und tanzte anschließend bei Dawsondance und Oregon Ballet Theatre 2 (OBT2). 2018 nahm er am Arts Umbrella Graduate Program teil, wo er kürzlich seinen Abschluss machte. Zuletzt kreierte Jacob “Semble” für die von Tänzern produzierte Show “Take Form” des Ballet BC.

The Glass Ceiling
Choreographie: Nicola Wills, Australien/Belgien
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engagiert Ballet Vlaanderen
Dauer: 10 Minuten
Musik: Max Richter “All Human Beings”, “You Dont know”; Nicholas Britell “Rondo in f-Moll für Klavier”, “Redemption at the Roulette Table”, “The Middle of the world”, “Ride Home”, “The Spot”
Tänzer: Tiemen Bormans , Philipe Lens, Astrid Tinel, Lateef Williams

Eine der Einschränkungen bei der Kreation für das Choreolab-Programm des Ballet Vlaanderen war, dass die Tänzer aufgrund der Covid-19-Restriktionen keinen persönlichen Kontakt haben durften. Diese Einschränkung inspirierte Nicola dazu, intensiver über die Trennungsgrade in der Gesellschaft in einem größeren Maßstab nachzudenken. Ich habe The Glass Ceiling kreiert, um einfach die Probleme des Machtungleichgewichts in einer Gesellschaft, die uns als Menschen trennt, anzusprechen und abstrakt zu beleuchten. Durch die Charaktere werden wir Zeuge, wie Mikro-Aggressionen die Bewegungen eines Individuums durch die Welt beeinflussen können, und zeigt den Antagonisten der Geschichte nur als Marionette des Systems. 

Nicola Wills gewann 2009 die Silbermedaille bei den RAD Genée Awards, bevor sie 2010 ihre professionelle Tanzkarriere mit dem Queensland Ballet begann. 2012 zog sie nach Deutschland, um kurzzeitig beim Ballett Dortmund zu tanzen, bevor sie 2013 einen Vertrag mit dem Royal Ballet of Flanders in Belgien unterschrieb. Im Jahr 2018 wurde sie zur Demi-Solistin befördert.